Cinémathèques: Il deserto rosso (Michelangelo Antonioni, 1964)

Michelangelo Antonioni – Il deserto rosso (1964)

Cast: Monica Vitti, Richard Harris, Carlo Chionetti, Xenia Valderi…

La crisi dei valori borghesi nelle nevrosi di una donna.

La vita di Giuliana, giovane moglie di un ingegnere, potrebbe scorrere senza problemi, ma la donna non è felice. A causa dello shock subìto in un incidente d’auto, è vittima di una crisi depressiva ed è tentata dall’idea del suicidio. Incontra Corrado e ne diviene l’amante, ma questo non basta a guarirla.

Società dei consumi, inquinamento industriale, disumanità della civiltà tecnologica sono gli argomenti centrali di questo film, in cui Antonioni riassume tutto il suo pessimismo. Per quanto riguarda l’aspetto formale, è da sottolineare lo straordinario risultato ottenuto dal regista nella ricerca sul colore. Memorabile la sequenza sulla spiaggia di Budelli, in Sardegna. (film.tv.it)

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il Morandini:
Ravenna, ridotta a deserto industriale, una giovane borghese nevrotica, moglie di un ingegnere, cerca vanamente un equilibrio. 9° film di Antonioni, e il suo primo a colori, in funzione soggettiva (fotografia di Carlo Di Palma, Nastro d’argento) come espressione di una realtà dissociata e con ambizione di trasformarlo esso stesso in racconto come “mito della sostanziale e angosciosa bellezza autonoma delle cose”. Come nei 3 precedenti film con Monica Vitti, la donna è l’antenna più sensibile di una nevrosi comune nel contesto della società dei consumi e della natura inquinata. Leone d’oro a Venezia. (mymovies.it)

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Red Desert (Il Deserto Rosso) once more combines the considerable talents of director Michelangelo Antonioni and star Monica Vitti. Cast as Giuliana, an unhappy wife, Vitti suffers from an unnamed form of depression and malaise. Her quicksilver emotional shifts disturb everyone around her, but they, like she, pretend that nothing is truly wrong. British engineer Corrado Zeller (Richard Harris) seems to understand what Giuliana is really after in life, and he acts upon it by entering into an affair with the troubled woman. Giuliana eventually comes to terms with her physical and mental pain, but this hardly means that she’s “cured” in the conventional sense. Monica Vitti’s sense of isolation is heightened by Antonioni’s (and cinematographer Carlo DiPalma’s) choice of colors, and especially by Carlo Savina’s bizarre electronic musical score. This is a landmark movie in Antonioni’s effort to portray alienated individuals in contemporary life; he places people against towering forms of technology to emphasize their smallness and lostness in the modern world of technological change.by Hal Erickson (allrovie.com)

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Ingmar Bergman: Persona (1966)

Ingmar Bergman – Persona (1966)

Cast: Bibi Andersson, Liv Ullmann, Gunnar Björnstrand, Margaretha Krook, Jorgen Lindström

Persona is difficult to characterize in simple terms, but it may be helpful to describe this complex film as being an exploration of identity that combines elements of drama, visual poetry, and modern psychology. The central story revolves around a young nurse named Alma (Bibi Andersson) and her patient, a well-known actress named Elisabet Vogler (Liv Ullmann). Elisabet has stopped speaking, and the attending psychiatrist treats the actress by sending her to an isolated seaside cottage under Alma’s care. There the nurse, who must do all the talking for both women, becomes a little enamored of the actress. One evening Alma tells Elisabet about some exhilarating sexual experiences she once had and their unpleasant aftermath. Soon after sharing this confidence, the nurse reads a letter Elisabet has written and is shocked to learn that the actress thinks of her as an amusing study. The relationship between the women becomes tense, and they wound each other. Then Alma has a long dream in which her identity merges with that of Elisabet, but when the nurse awakes, both women have apparently come to at least temporary terms with their psychological problems. by Ivana Redwine (www.allrovi.com)

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il Morandini:
Due personaggi nella rarefatta cornice di una camera di ospedale e di una spiaggia deserta. Rapporto vampiresco tra un’attrice malata, murata in un mutismo ossessivo, e la sua infermiera che, paziente, aspetta. Stilisticamente è l’opera più sperimentale di Bergman i cui temi tipici (angoscia davanti alla violenza, egoismo, paura della morte e della procreazione) sono calati in un pessimismo radicale. Insieme con Sussurri e grida (1973) Bergman lo considera il suo film più avanzato. (mymovies.it)

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Cinema of the World: Manhattan (Woody Allen,1979)

Woody Allen – Manhattan (1979)

Cast: Woody Allen, Mariel Hemingway, Diane Keaton, Meryl Streep, Michael Murphy…

On the heels of Annie Hall, the Oscar-winning romantic comedy that rocketed Woody Allen to the front ranks of American filmmakers, Manhattan continued Allen’s romantic obsessions in a slightly darker, more pessimistic vein. Allen stars as Isaac Davis, a TV comedy writer sick of the pap he is forced to churn out and harboring dreams of being the great American novelist. His love life is in barbed-wire territory: he is tormented by his second ex-wife Jill (Meryl Streep), a lesbian who has written a tell-all book about their marriage, and he is dating teenager Tracy (Mariel Hemingway), to whom he refuses to commit, and keeps hinting that a breakup may be imminent. Isaac’s disillusioned (and married) best friend Yale (Michael Murphy) has begun an affair with the cerebral writer Mary Wilke (Diane Keaton). While Isaac makes a last minute, sink-or-swim decision to quit his job and devote all of his time to book writing, and neurotically moans about what the lack of a full time job will do to him (“My parents won’t have as good of a seat in the synagogue,” he moans. “They’ll be far away from God… away from the action”) Yale is crippled by his lack of resolve, as indicated by his inability to leave his wife Emily (Anne Byrne). Meanwhile, Isaac and Mary begin to fall for one another. Tracy then tells Isaac the basic truth that none of his hung-up friends and past lovers fully realizes: “You have to have a little more faith in people.” Manhattan is both a seriocomic dissection of perpetually dissatisfied New Yorkers and an ode to the city itself, filmed in glorious black-and-white by ace cinematographer Gordon Willis, and set to a score of rhapsodic George Gershwin music. by Hal Erickson (www.allrovi.com)

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Tormenti esistenziali tra humour e filosofia con un grande Woody Allen

Isaac Davis ha smesso di scrivere per la tv e progetta un libro dal titolo “La sionista castrante”; ha alle spalle due matrimoni falliti, vive con la diciassettenne Tracy (Mariel Hemingway), ma ha paura del ridicolo per questa sua relazione. Teme anche che la sua seconda moglie abbia messo in piazza i suoi difetti in un libro che sta per uscire. Isaac cerca di allontanare da sé la sua devotissima amante, ha una breve storia con quella di un suo amico, ma poi tenta di recuperare a sé Tracy, che nel frattempo ha deciso di partire per l’Europa.

“Manhattan” è una pietra miliare nella filmografia di Woody Allen che si è ormai lasciato alle spalle i film di pura comicità e si è cimentato sull’arduo terreno del cinema serio. Il suo scavo nel profondo, non di meno, è sempre insaporito da battute divertenti, molto spesso da uno humour corrosivo, e da situazioni al limite del grottesco. Celebri le “10 cose per cui vale la perna di vivere”, e poi la Manhattan in bianco e nero di Gordon Willis… (filmtv.it)

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Cinémathèques: Mon meilleur ami (Patrice Leconte, 2006)

Patrice Leconte – Mon meilleur ami (2006)

Cast: Daniel Auteuil, Dany Boon, Julie Gayet…

Un marchand d’art fait un pari: il a dix jours pour trouver un meilleur ami. Il se lance alors dans un casting fou pour finalement jeter son dévolu sur un chauffeur de taxi volubile et chaleureux. Il va le séduire pour gagner son pari. Mais peut-on tricher avec l’amitié? (allocine.fr)

LA CRITIQUE LORS DE LA SORTIE EN SALLE DU 23/12/2006

Avoir un bon copain, c’est ce qu’il y a de meilleur au monde. Ça se chante depuis des lustres et ça tombe tellement sous le sens qu’on ne se demande même plus ce que ça veut dire. François (Daniel Auteuil) est comme ça. Il est sûr d’avoir un bon copain sans même y avoir pensé. Mais un jour, l’associée de cet antiquaire lui lance un pari : il a dix jours pour présenter son meilleur ami. Ou ça lui coûtera un vase antique inestimable. Une odyssée commence. Car François est à mille lieues de comprendre ce qu’est l’amitié. Patrice Leconte a pris ce drôle de sujet au sérieux. Tout en favorisant la légèreté et la fantaisie, il livre un film plein d’enseignements qui, à cette période de l’année, peut ressembler à un conte de Noël. Au fil des pirouettes de son héros pour dégoter le gros lot, ce meilleur ami qui lui sauverait la mise, le film passe en revue des interrogations qui ne manquent pas d’à-propos. L’amitié se décide-t-elle ? Doit-elle servir à quelque chose ? N’y a-t-il pas d’amitié, seulement des preuves d’amitié ? François va devoir réfléchir à tout ça de manière cocasse, mais pas inoffensive : le chauffeur de taxi (Dany Boon) qui est son professeur en amitié devient aussi le cobaye d’un pari transformé en expérience mêlant coups bas et rêve d’une âme soeur. Mon meilleur ami nous permet ainsi d’assister à la genèse d’une figure familière du cinéma, le duo de potes. Un couple à part, où on ne partage rien d’intime, où la passion n’est pas en question, mais où ça revient au même : on se laisse prendre au jeu. Patrice Leconte nous le prouve joliment. Frédéric Strauss (telerama.fr)

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Un uomo ha dieci giorni di tempo per trovare un amico e vincere una scommessa.

François è un mercante d’arte per il quale tutto ha un prezzo; Bruno è un tassista enciclopedico e socievole fino alla logorrea. Bruno aiuta François con una scommessa per cui, se entro dieci giorni non presenterà ai suoi soci e colleghi il suo migliore amico, perderà un prezioso vaso antico conquistato a caro prezzo a un’asta…

Leconte mette in scena un amarognolo squarcio di solitudini e di cinismi contemporanei, orchestrato con soave cattiveria. Dialoghi intelligenti, interpreti giusti, quell’aria dei luoghi, dei tempi e delle categorie sociali tanto difficile da rintracciare nel cinema medio di oggi, per una commedia più acida di quel che sembra. (film.tv.it)

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One Flew Over The Cuckoo’s Nest: Milos Forman (1975)

Milos Forman – One Flew Over The Cuckoo’s Nest (1975)

Cast: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Will Sampson, Brad Dourif…

With an insane asylum standing in for everyday society, Milos Forman‘s 1975 film adaptation of Ken Kesey’s novel is a comically sharp indictment of the Establishment urge to conform. Playing crazy to avoid prison work detail, manic free spirit Randle P. McMurphy (Jack Nicholson) is sent to the state mental hospital for evaluation. There he encounters a motley crew of mostly voluntary inmates, including cowed mama’s boy Billy (Brad Dourif) and silent Native American Chief Bromden (Will Sampson), presided over by the icy Nurse Ratched (Louise Fletcher). Ratched and McMurphy recognize that each is the other’s worst enemy: an authority figure who equates sanity with correct behavior, and a misfit who is charismatic enough to dismantle the system simply by living as he pleases. McMurphy proceeds to instigate group insurrections large and small, ranging from a restorative basketball game to an unfettered afternoon boat trip and a tragic after-hours party with hookers and booze. Nurse Ratched, however, has the machinery of power on her side to ensure that McMurphy will not defeat her. Still, McMurphy’s message to live free or die is ultimately not lost on one inmate, revealing that escape is still possible even from the most oppressive conditions. (www.allrovi.com)

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il Morandini:

Da un romanzo (1962) di Ken Kesey: pregiudicato, trasferito in clinica psichiatrica, smaschera il carattere repressivo e carcerario dell’istituzione. La rivolta dura poco, ma lascia qualche segno. Premiato con 5 Oscar (film, regia, Nicholson e Fletcher, sceneggiatura di Bo Goldman e Laurence Hauben) – come non succedeva da Accadde una notte (1934) – è un film efficacemente e astutamente polemico sul potere che emargina i diversi e sul fondo razzistico della psichiatria. La sostanza del romanzo onirico di Kesey, scritto in prima persona, è depurata e trasformata in allegoria nell’adattamento scenico che ne fece Dale Wasserman e che forma la base della sceneggiatura. (Fu portato in scena nel 1963 da Kirk Douglas che spinse il figlio Michael a produrre il film.) Ottima squadra di attori che comprende anche il pellerossa W. Sampson. (mymovies.it)

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The Third Man: Carol Reed (1949)

Carol Reed – The Third Man (1949)

Cast: Joseph Cotten, Alida Valli, Orson Welles…

Synopsis: Holly Martins is an unemployed writer of westerns. He receives a job offer from an old school friend living in Vienna, Harry Lime. Set in the post war era, Martins arrives to discover a country split into rival sections, whose economy depends heavily on black market activity. What’s more, he finds that his friend has been killed in a strange accident. The circumstances surrounding his death are very suspicious and Martins investigates to find out what really happened. (screenrush.co.uk)

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il Morandini:
Nel 1946 in una Vienna devastata dalla guerra e divisa in quattro zone di occupazione, lo scrittore americano di western Holly Martins (Cotten) assiste ai funerali dell’amico Harry Lime (Welles), ma le testimonianze sulla sua morte, investito da un camion, sono dubbie: c’erano tre uomini, non due, ad assistere all’incidente. Chi era il terzo uomo? Martins entra in contatto con Anna (Valli), amante di Lime, espatriata clandestinamente dalla Cecoslovacchia, e scopre che Lime è vivo e ricercato per contrabbando di penicillina adulterata. Inseguimento finale nelle fogne della città. Scritto da Graham Greene che dalla sceneggiatura trasse un romanzo (1950), è uno di quei film – ormai un classico del cinema britannico – che nascono da uno straordinario concorso di circostanze: un bel copione, un regista quarantenne nella sua stagione di grazia, una tela di fondo – Vienna – di grande suggestione grazie al bianconero di taglio espressionistico di Robert Krasker, il romantico commento musicale su cetra di Anton Karas, interpreti funzionali, un perfetto ingranaggio d’azione in cui la tecnica del giallo si coniuga con una sottile indagine psicologica. E poi Welles: c’è un salto di qualità tra la breve parte che riguarda Harry Lime e il resto. Non sembra dubbio che abbia dato più di un suggerimento a Reed; è certo che collaborò ai dialoghi. Sua è la celebre battuta sull’Italia del Rinascimento e la Svizzera. Per molti anni Lime divenne un sinonimo di Welles che portò il personaggio in una serie radiofonica di 39 puntate: Le avventure di Harry Lime. Palma d’oro a Cannes e Oscar per Krasker. Esiste anche in versione colorizzata. Ridistribuito nel 2000 in edizione originale con sottotitoli italiani. (mymovies.it)

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Witness For The Prosecution: Billy Wilder (1957)

Billy Wilder – Witness For The Prosecution (1957)

Cast: Tyrone Power, Marlene Dietrich, Charles Laughton…

Although Sir Wilfrid Robarts is suffering from his health, he refuses to side-step a very high-profile case in which Leonard Vole is accused of murdering a rich, middle-aged widow. Robarts, as is his custom, chooses to defend the accused, unaware of the complexity soon to be revealed by the weirder than usual inquest. (screenrush.co.uk)

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Testimone d’accusa

Leonard Vole è accusato dell’omicidio di una ricca vedova ma la moglie Christine rifiuta di testimoniare in sua difesa. Leonard si rivolge allora ad un celebre e anziano avvocato, Wilfrid Robarts, le cui intuizioni sembreranno poter scagionare l’uomo. Le schermaglie legali durante le udienze del processo condurranno lo spettatore a ritmo serrato fino a un clamoroso colpo di scena finale. Un film in cui la suspence la fa da padrona, un meccanismo a orologeria tratto da una pièce teatrale di Agatha Christie, insuperata regina del genere. Un legal thriller ante litteram, che abbina tensione e colpi di scena, inganni ed equivoci. Strepitosa la prova di tutti gli attori, da Charles Laughton, ansimante e graffiante avvocato inglese, alla misteriosa Marlene Dietrich, a Tyrone Power a suo agio pur in un ruolo ambiguo per lui inconsueto. Con questo film Billy Wilder lascia la commedia sofisticata ma non rinuncia alle tematiche da lui predilette, come l’inganno e la maschera.
Negli anni ’80 ne è stato realizzato un remake, diretto da Alan Gibson, decisamente non all’altezza dell’originale.
Piero Di Domenico (mymovies.it)

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Cinémathèques: Senso (Luchino Visconti, 1954)

Luchino Visconti – Senso (1954)

Cast: Alida Valli, Farley Granger, Massimo Girotti, Heinz Moog…

Una passione proibita si intreccia ai fatti del Risorgimento e nasce il Realismo storico…

Venezia, 1866. La nobildonna Livia Serpieri si innamora del tenente austriaco Franz Mahler e ne diventa l’amante. Il cugino di Livia, un patriota, consegna alla donna i fondi necessari all’insurrezione, ma lei li dà a Franz per corrompere un medico. Quando però raggiunge l’amante a Verona, lui la respinge. Livia allora lo denuncia come disertore.

Visconti rilegge un momento della storia nazionale con occhio cosmopolita, servendosi degli stilemi del melodramma per descrivere la società che ne fu protagonista e spettatrice, con occhio alla muscia (Verdi, Bruckner) e alla pittura (Hayez, Fattori). Spelndide scene di battaglia e raffinato uso del colore (allora agli inizi in Italia). Il film fu contrapposto idealmente dai critici alla “Strada” di Fellini, e insieme i due film furono la definitiva pietra tombale sul neoralismo. (filmtv.it)

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Cinema of the World: Thelma And Louise (Ridley Scott, 1991)

Ridley Scott – Thelma And Louise (1991)

Cast: Susan Sarandon, Geena Davis, Harvey Keitel…

Thelma and Louise have both had enough of their problems with their partners, so they decide to take a trip together. However, early into their trip a man tries to rape Thelma, only to be killed by Louise. The murder immediately puts them on the run as they continue their ‘holiday’ with police on their tails. The two only need to make it to Mexico… (screenrush.co.uk.)

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(…) What appears to be a simple light-hearted Southwestern working class female adventure suddenly turns dark, dangerous, and absolutely engrossing the moment Louise kills Thelma’s would-be rapist in the country bar parking lot. What follows is their flight from the law and their men until they finally take hold of their own lives and make one strong assertive statement: their death as they drive off the rim of the Grand Canyon rather than face surrender and capture by the “men with guns” packed around them, much like the hundreds of Bolivian troops surrounding Butch and Sundance at the end of their tale.

The ending, however, points a telling difference with and from Butch Cassidy and other road movies. While it’s never quite clear how aware Butch and Sundance are that they are about to die (and they certainly do not express this thought in their dialogue), Thelma and Louise absolutely agree on “Let’s not get caught,” sealed with soulful and joyful glances at each other. Ironically they embrace each other as friends and life itself, free and pure, before plunging to their chosen death.

The film is also memorable for the strong performances by Susan Sarandon as Louise and Geena Davis as Thelma. Rather than busty Hollywood pre-twenty sex kittens, Sarandon and Davis give full bodied character to these thirty and forty-something women who come to enjoy the role-reversing situations they find themselves in. Audiences screamed with delight along with this dynamic duo when, for instance, Thelma blows up the oil tanker truck in the desert.

That said, the men in the film also play their less than flattering roles with brio. Newcomer Brad Pitt is sexy and devilishly dangerous as the hitchhiker who gives Thelma her first orgasm and steals all their money. Harvey Keitel plays the exasperated and sympathetic cop well, while Michael Madsen is “the guy you love to hate” as Thelma’s redneck husband, Darryl… by Andrew Horton (www.filmreference.com)

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Cinema of the World: Escape To Victory (Fuga per la vittoria) (John Huston, 1981)

John Huston – Escape To Victory (1981)

Cast: Michael Caine, Sylvester Stallone and Pelé…

In World War II, a group of Nazi officers come up with a propaganda event in which an all star Nazi team will play a team composed of Allied Prisoners of War in a Soccer (Football) game. The Prisoners agree, planning on using the game as a means of escape from the camp… (www.imdb.com)

Plot Synopsis:

John Huston directed this exciting World War II action film, which culminates in a rousing soccer game. In a German prisoner of war camp, Major Karl von Steiner (Max Von Sydow), the camp commander, once a member of the German national soccer team, decides to put together a soccer match between a team of Allied prisoners, led by Captain John Colby (Michael Caine), a former English international soccer player. The game is to be played in Colombes Stadium in Paris and exploited for maximum propaganda effect by the Nazi publicity machine. Robert Hatch (Sylvester Stallone) is enlisted to assist the Allied prisoners to train for the event. But, in fact, the Allies are planning a risky escape during the soccer match. Famed Brazilian soccer great Pele makes an appearance in the film, along with Bobby Moore, the captain of Britain’s 1966 World Cup champions, and Argentine soccer star Osvaldo Ardiles. by Paul Brenner (allmovie.com)

Sequenze:

I.

II.

III.

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Il cinema non ama molto lo sport…

(…) Anche se lo corteggia molto di frequente, il cinema non ama molto lo sport. Entrambi condividono infatti le potenzialità di un linguaggio semplice, diretto, che gioca su passioni genuine e sull’enfasi del movimento, ma è ovvio che il lavoro sedentario dell’illusione del cinema si adatta con non poche difficoltà alla competizione fisica e al sudore delle pratiche sportive. A fine carriera, John Huston rivolge invece la sua attenzione e l’esperienza di cineasta classico alla retorica sportiva per dare ulteriore ardore all’epica della grande Storia. Cercando di unire assieme la forza di una grande fuga alla John Sturges con la passione sportiva di Momenti di gloria e la carica ironica di Quella sporca ultima meta, Huston drammatizza un episodio realmente accaduto sul fronte orientale durante la Seconda guerra mondiale per raccontare la più grande vittoria della storia del Novecento: la sconfitta del nazi-fascismo.

E lo spirito della vittoria è, fin dal titolo stesso, l’obiettivo della glorificazione del film di Huston, che mette in scena lo sport forse meno amato dal pubblico americano, il calcio, e una squadra internazionale piuttosto eterogenea per rendere il concetto più universale possibile. Sylvester Stallone, Michael Caine, Max Von Sydow e un insieme di stelle del calcio degli anni Sessanta e Settanta, fra cui Pelé, vengono così chiamati a ricoprire una specifica zona del campo. Caine e Von Sydow danno vita a un elegante confronto fra icone del cinema europeo, mentre Stallone con la giusta autoironia diventa un rozzo eroe della Resistenza. Sono soprattutto loro tre ad articolare il primo tempo, quello che serve a Huston per costruire un contesto storico e un’efficace atmosfera mista di cameratismo e di tensione. Una volta sviluppato l’intreccio e intessuto i vari nodi narrativi, lascia ai veri giocatori il compito di creare una tensione drammaturgica attraverso la potenza solenne dello sport. Grazie anche all’apporto delle coreografie elaborate dallo stesso Pelé e a un uso metodico del ralenti, è la plasticità delle giocate dei protagonisti a farsi vero emblema della Vittoria. Una vittoria che irrompe in campo cantando La Marsigliese, senza paura di apparire troppo ingenua o troppo romantica, perché sa che il senso della gloria è sia rivoluzionario che retorico, un po’ competizione sportiva e un po’ mito. Edoardo Becattini (mymovies.it)

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